Los fusilamientos del 3 de mayo (Francisco de Goya)

La obra 

  El cuadro Los fusilamientos del 3 de Mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid fue pintado en  1814, seis años después de que sucedieran los acontecimientos, y actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid. 

En la pintura se contempla el objetivo del pintor de representar el drama que vivieron los españoles frente a los tiranos franceses, puesto que se representa a las tropas napoleónicas como personajes autómatas y despersonalizados, sin cara ni expresión. En cambio, las víctimas conforman un grupo cuyas expresiones faciales se perciben desgarradas por el dolor y el miedo.

Podemos ver como los fusiles napoleónicos disparan sobre los insurgentes en el triste lugar, hoy llamado Moncloa. Además, el cuadro gira en torno al combatiente (quien no se encuentra en el centro de la tela sino lateralmente) que, con los brazos abiertos, da a entender que está dispuesto a morir. Sobre su camisa blanca se concentra toda la luz posible, lo cual no es sólo la representación de la luz física sino también simbólica. 

Las demás figuras del cuadro se suponen personajes pertenecientes a las tropas españolas que presencian el drama, unos se tapan los ojos, otros los oídos y otros yacen muertos en el suelo sobre un charco de sangre.

Como vemos, el cuadro plasma el sentimiento patriótico de Goya, así como el drama y la violencia de los hechos, pero también el inmenso deseo de libertad. 

Por otra parte, tanto estética como históricamente, este cuadro es el reverso de El juramento de los Horacios, de David, que plasma la imagen de unos héroes dispuestos a morir por una causa. Goya nos retrata al antihéroe: no al guerrero, sino a la víctima cuya muerte se convierte, casi por azar, en un llamado a los que combaten la opresión. También el estilo de Goya contrasta con el de David, con escasos perfiles marcados y una pintura suelta llena de ambigüedades y sutilezas. Se puede observar que la postura de estos soldados repite, a la inversa, la de los Horacios.   

El juramento de los Horacios (1784)

Aunque esta dramática representación parece captada directamente de la realidad, Goya no estuvo allí cuando sucedieron los hechos.

El autor

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos (Aragón) el día 30 de marzo de 1746. Como pintor vocacional que fue, desde sus primeros años ya da pasos como artista, estudia arte en las escuelas Pías de Zaragoza. A pesar de sus orígenes modestos, su carácter obstinado y ambicioso lo llevan a convertirse en uno de los principales artistas de los siglos XVIII y XIX. De este modo, con el siglo XVIII supone el fin de una época, culmina la corriente rococó, la gloria de España, y el inicio de otra. Todo ésto se interpreta a través de las obras de Goya, que van desde las fragantes formas inspiradas en la naturaleza, belleza y mitología de los cuerpos propias del rococó a las macabras tragedias de sus "pinturas negras", desde sus luminosas pinturas a los famosísimos grabados. 

Así pues, las obras de Goya son un ejemplo de la angustia, emoción y tragedia, sentimientos que inundaban la vida política, económica y social de la época del artista. 

El contexto histórico y artístico

En la época en la que fue pintada esta gran obra de Goya, España se encontraba sumergida en una serie de  conflictos con Francia, pues las tropas napoleónicas habían invadido el país. El 2 de mayo de 1808, el pueblo de Madrid intentó evitar la salida del infante Don Francisco de Paula hacia Francia asaltando el Palacio Real. Este tumulto fue aprovechado por Joachim Murat (general de Napoleón), que mandó rápidamente a unos Guardias Imperiales al palacio, acompañados de artillería; la situación se descontroló y los franceses dispararon contra la multitud. Al deseo del pueblo de impedir la salida del infante, se unió el de vengar a los muertos y el de deshacerse de los invasores.

Este levantamiento, que había comenzado de forma espontánea, ya estaba aplacado a últimas horas de la tarde, y, al día siguiente, el ejército galo se vengó con saña ejecutando a cientos de rebeldes y a otros que no pasaban de ser simples espectadores de los acontecimientos.

No obstante, esta brutal represión no logró sus objetivos (acabar con la insubordinación española), muy al contrario, dio la señal de comienzo de la lucha en toda España contra las tropas francesas.

Artísticamente, este cuadro pertenece al prerromanticismo (1770-1820), al igual que su compañero, El 2 de mayo de 1808 en Madrid, también llamado La carga de los mamelucos. Este período se caracteriza por una predominancia del sentimiento sobre la razón (los autores expresan en sus obras sus sentimientos más tristes y exaltados), así como por una preferencia por los ambientes esotéricos y misteriosos (cementerios, escenas nocturnas, tormentas...).

El 2 de mayo de 1808 en Madrid

En Los fusilamientos del 3 de mayo, el protagonista absoluto es el pueblo, no están representados de forma personal, es el pueblo anónimo el héroe colectivo. Éste es un concepto claramente romántico y moderno de entender los logros nacionales, que se atribuyen al pueblo y su voluntad, y no a sus dirigentes. Al representar la Guerra de Independencia en estos lienzos, Goya se consagra a temas dramáticos, para los que crea atmósferas de pesadilla y mezcla a veces lo real con lo fantástico, al igual que sucede en su serie de grabados Los desastres de la guerra (1810-1815). 

Las 3 Gracias (Rubens)

Análisis del cuadro  

Las tres Gracias fue un cuadro pintado al óleo entre 1630 y 1635 por Pedro Pablo Rubens en la cual se expone el tema mitológico a través de estas tres figuras, vírgenes e hijas de Zeus que convivían con los dioses.

A grandes rasgos, la obra de Rubens se caracetriza por el realismo de las formas, el uso de la luz y de los colores cálidos en sus elementos y por la ampluosidad de los contornos de las tres protagonistas (que fueron tan comunes en los cuadros de Rubens).

Si analizamos con detenimiento las tres figuras podemos evidenciar la influencia de la escultura clásica en las carnes de las Gracias, puesto que se intenta reproducir el efecto del mármol sobre las mismas. A su vez, se percibe  la unidad del grupo que forman las tres Gracias, puesto que se encuentran conectadas entre sí a través de los brazos y miradas y además, una de ellas se encuentra vuelta mirando a su compañera.

Por otro lado, se dice que la figura de la izquierda está inspirada en la segunda mujer del artista y que pintó poco después de casarse con ella. Este hecho, según algunos expertos evidencia la felicidad del pintor, la cual refleja en sus cuadros a través de la sensualidad de sus modelos.

Finalmente, decir que el cuadro permaneció en manos de Rubens hasta el año de su muerte (1640), cuando  la obra pasó a ser propiedad de Felipe IV y fue, por tanto, llevada a España. Actualmente se puede admirar en el museo del Prado de Madrid. 

El autor

Petrus Paulus Rubens nació en la ciudad alemana de Siegen (Westfalia) el 28 de junio de 1577. Culto y carismático, fue el pintor más influyente del período barroco. Vivió en Italia entre 1600 y 1608, y al año siguiente fue nombrado pintor de corte del archiduque Alberto de Austria, que le encargó numerosos cuadros y misiones diplomáticas.

Autorretrato (1623)

Su arte es una fusión de las tradiciones del realismo flamenco con las tendencias clásicas del Renacimiento italiano. Rubens fue capaz de infundir su propia asombrosa vitalidad en un estilo potente y exuberante, que acabó personificando al arte barroco del siglo XVII. Las figuras amplias, robustas y opulentas de sus pinturas generan un sentido del movimiento que impregna composiciones vivas y dinámicas. Poseía además la capacidad de asimilar y transformar según su estilo personal, barroco y agitado, las experiencias de los maestros italianos que estudiaba y copiaba. En sus pinturas reencontramos la profundidad atmosférica de Leonardo, la monumentalidad de Miguel Ángel, el dramatismo de Tintoretto, el misterio de Giorgione, los juegos de luces de Caravaggio, el color de la escuela de Venecia…

Este pintor fue uno de los artistas más versátiles y productivos de su época. Sus obras por encargo trataban sobretodo de temas religiosos, históricos (que incluían aspectos mitológicos) y de escenas de caza. Realizó retratos, especialmente de amigos, autorretratos, y ya a edad más avanzada, pintó varios paisajes. También diseñó grabados y tapices, así como su propia casa. Sus dibujos son casi todos extremadamente enérgicos pero poco detallados; hizo gran uso asimismo de los bocetos al óleo como estudios preparatorios. Rubens fue uno de los últimos grandes artistas que empleó de forma regular los paneles de madera como medio de soporte, incluso para trabajos muy grandes, pero también usó lienzos, especialmente cuando la obra debía ser enviada a larga distancia. En los retablos a veces pintaba sobre pizarra para reducir los reflejos.

En definitiva, Rubens salvó como nadie la brecha artística entre la Europa del norte y la del sur. Algunas de sus pinturas más famosas, aparte de la que nos compete en este artículo, son Sansón y Dalila (1610), El juicio de Paris (1639), La Adoración de los Reyes Magos (1609), La elevación de la cruz (1611), Los cuatro filósofos (1611), La masacre de los inocentes (1612), Los jardines del amor (1630), el conjunto de telas sobre María de Médici…

La elevación de la cruz

Sansón y Dalila

El Renacimiento y sus características

El Renacimiento es un gran movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. El lugar en el que nació y se desarrolló este movimiento fue en Italia. Los principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo una renovación en el ámbito científico.

Podemos establecer de forma general una serie de características destacables de este período como:

-->La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la introducción de creencias con cierto tiempo, los temas de mitología, de historia, así como la adopción de ciertos elementos simbólicos. Con el objetivo de la incorporación del conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.

-->Surge una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción idónea y realista de la ciencia. El concepto matemático es usado para ayudar y para entender de forma racional el ideal de belleza del arte. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza se orienta hacia la penetración de la idea como en la Antigüedad y no en el conocimiento de fenómeno causal.

-->El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. Se idealiza en el artista una formación científica, liberadora de actitudes medievales y elevarse al más alto rango social.

La catedral de Notre Dame

Introducción y contexto histórico
La catedral de Notre Dame de París fue construida a lo largo de los siglos XII, XIII y XIV. Estos años, han sido considerados como unos años de "plenitud" de la Edad Media puesto que, a pesar de los grandes problemas a los que se enfrentaba la sociedad de la época (como la guerra de los Cien Años), la mayoría de conceptos, imágenes y tópicos que giran en torno a la Edad Media fueron fruto de dicha problemática. No podemos obviar que fue la época en la que se situa en primer plano la catedral gótica y sus características más emblemáticas (la presencia de flechas ascendentes y el perfecto equilibrio entre formas y luz). También fueron tiempos en los que la Iglesia Católica ejerció un gran poder sobre la población europea, en los que la misma Universidad hecha raíces y en los que se experimenta un fuerte crecimiento económico lo cual  beneficia a la burguesía  y remarca su influencia social.
En definitiva, se habla de plenitud porque fue entre los siglos XI y XIII cuando la Europa cristiana renace y se expande, rompiéndose el "equilibrio" que hubo existido en los siglos pasados entre las civilizaciones musulmana, bizantina y cristiana a favor de la Europa occidental. 

El arte gótico 
A su vez, durante estos siglos XI, XII y XIII es cuando florece la arquitectura gótica en el norte de Francia y en la Toscana, lugares en donde se detecta cierta unidad artística y por tanto, será factible hablar de arte gótico a grandes rasgos. Sin embargo cabe decir que la influencia del gótico de Francia se expande hacia Inglaterra, Alemania, Hungría, Península Ibérica... y el de la Toscana irrumpe en la Europa central y también en la Península Ibérica. 
Volviendo a las características generales del arte gótico cabe mencionar el uso del arco ojival, las gárgolas o lospináculos. También son característicos los arbotantes y estribos que se decoraban con rosetones y vitrales y se utilizaban para sostener los edificios y para proporcionar un espacio más amplio dentro de los mismos. En cuanto a la pintura gótica ya no se usaban murales, sino que se emplearon retablos situados en los altares de las iglesias para pintar. 

Bajo estas características e influencias sociales se construye la catedral de Notre Dame, dedicada a María madre de Jesucristo, como su nombre indica, y está rodeada por el río Sena. 

Arquitectura

La catedral gótica hereda de las iglesias románicas del siglo XI su planta cruciforme (en cruz latina), su estructura basilical de 3 o 5 naves con la central de mayor altura, el transepto y las torres. Sin embargo, la versatilidad del arco ojival y la bóveda de crucería, junto con su mayor resistencia estructural, permitió a la primera arquitectura gótica superar a todos sus precedentes. Notre Dame de París es un magnífico exponente de la mentalidad medieval y de los logros alcanzados en el campo de la arquitectura. La bóveda del coro tiene una altura de 33 m, mayor que cualquier otra iglesia gótica construida hasta la fecha. Al comenzarse los trabajos en la nave principal, se decidió aumentar su altura 2 m más. Esto hizo que el sistema de contrarresto de la bóveda principal, por medio de las cubiertas de las naves laterales, resultase insuficiente. Se solucionó mediante arbotantes exteriores, característicos de la arquitectura gótica, ya utilizados a principios del siglo XII. Los materiales de construcción empleados fueron básicamente la piedra y la madera de roble (en la cubierta). 

Fachada occidental
En la fachada de la catedral se intenta equilibrar la verticalidad de las dos torres, que se corresponden con las dobles naves laterales del templo, con la horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. Presenta, por tanto, un alzado tripartito, cuando en el interior son 5 las naves de la iglesia.
El pórtico central está dedicado a Cristo, que aparece en el parteluz, flanqueado en las jambas por los doce apóstoles. En el tímpano se representa a Cristo, y en el dintel, el Juicio Final y la Resurrección. Los dos portales laterales fueron consagrados a la Virgen María y a Santa Ana, su madre. 
A unos 20 metros del suelo, una galería con 28 estatuas se levanta por encima de los portales. Cada estatua, de 3.5 metros de altura, representa los 28 reyes de Judea que precedieron la llegada de Cristo. De las estatuas originales medievales sólo quedan fragmentos, ya que durante la Revolución fueron destruidas creyendo que representaban reyes franceses. 

Pórticos y galería de los reyes de Judea

Decoración
El edificio está decorado con esculturas y tallas de elementos vegetales y animales. Gran parte de la decoración escultórica fue transformada en el siglo XIX, en la restauración realizada por el arquitecto Viollet-le-Duc. En ésta, más que devolver al edificio su aspecto original, o conservar lo existente, lo que se pretendía era lograr un compendio teórico de la arquitectura gótica, inventando lo que fuese necesario.

Rosetones
Son ventanas circulares caladas, cuya tracería se dispone generalmente de forma radial y que presentan vidrieras decoradas con escenas bíblicas en vivos colores. Encontramos 3 en esta catedral. Uno en la fachada occidental, de 10 m de diámetro, y otros dos en las fachadas norte y sur, de 13 m de diámetro cada uno. El primero constituye uno de los elementos más característicos y reconocibles de Notre Dame.

Rosetón y vidrieras

Bóveda de crucería
Es un tipo de bóveda conformada por el cruce, o intersección, de dos bóvedas de cañón apuntado. Se caracteriza por estar reforzada por dos o más nervios diagonales que se cruzan en la clave, generalmente. En este caso, presenta un tercer nervio transversal, con lo que la plementería queda dividida en seis partes.

  
Contrafuertes
La altura de la nave y la relativa delgadez de sus muros (1 m de media) exigieron la colocación de contrafuertes exteriores engrosados para contrarrestar el empuje lateral de la bóveda.

Vidrieras
En la construcción gótica, gracias a su bóveda de crucería, las cargas se concentran en puntos concretos, los pilares, lo cual permite que el muro se desmaterialice y se llene de grandes superficies vidriadas. En Notre Dame podemos encontrar nada menos que 113.

Chapitel
Es un elemento arquitectónico usado a modo de remate, y como pináculo gótico declara la presencia de la religión y su conexión con el cielo. El de Notre Dame, localizado sobre el crucero, y que tiene 96 m de altura, fue destruido durante la Revolución Francesa y sustituido por completo en la restauración del siglo XIX (1845 - 1856) de Viollet-le-Duc.

  
Transepto
La catedral tiene un transepto (nave transversal que cruza a la principal ortogonalmente) muy corto, que no sobrepasa la alineación de la nave lateral extrema.

Planta de la catedral

Cuerpo de ventanas
En el siglo XIII se ampliaron las ventanas del cuerpo alto (claristorio) para conseguir mayor luz natural en el interior. Esto fue posible por el perfeccionamiento de la estructura gótica. 

Arbotantes de la girola
Los arbotantes sujetan el muro en dos niveles. El brazo superior estabiliza el muro interior de la girola, contrarrestando el empuje de las bóvedas. El brazo inferior sujeta los muros exteriores. Para evitar que se desplacen lateralmente presentan un pináculo (contrapeso).

Sección transversal

Leyendas

La Leyenda de las Puertas del Diablo: Al joven aprendiz de cerrajero Biscornet, se le encargó en el siglo XIII la concepción de las puertas laterales de la catedral, la llamada puerta de Santa Ana. El joven pactó con el diablo su alma a cambio de conseguir terminar el forjado de las puertas y ser ascendido a maestro cerrajero tal cómo soñaba. 

A la mañana siguiente, encontraron a Biscornet dormido bajo las puertas con la obra acabada. Por el trabajo “realizado” se le concede la soñada condición de “Maître”. Sin embargo, el cerrajero estaba atormentado por las pesadillas en las que diablo insiste en reclamarle el tributo pactado. Finalmente, lo encontraron muerto en su cama en extrañas circunstancias. ¿Quién fue realmente el artífice de las Puertas de Santa Ana? Lo cierto es que el trabajo del joven cerrajero envuelve varios misterios: en el forjado original aparecía una extraña cabeza de diablo y la extraordinaria calidad del relieve parece difícilmente atribuible a un simple aprendiz.

La catedral de los milagros: El padre del futuro “Luis Sol”, fue un hombre atormentado durante años por la incapacidad de concebir junto a su esposa un hijo varón. Cuenta la historia que en un intento desesperado, el soberano, apodado “El Justo” por sus súbditos, acudió a la catedral de Notre-Dame para pedir a la Virgen un descendiente. En 1638 y tras 23 años de matrimonio nació Luis-Dieudonné, que se llamaría “el niño del milagro” y que sucedería a su padre como Luís XIV.

Torre sur: En la torre sur, de 69 m de altura, estaba la famosa campana del siglo XV. Esta campana fue fundida y vuelta a vaciar en 1686, según cuenta la leyenda, con oro y piedras preciosas, lo que explicaría la claridad de su tañido.

Datos interesantes

-Ésta catedral tiene una ubicación muy religiosa ya que gracias a los yacimientos arqueológicos realizados sabemos que donde hoy se aposenta Notre-Dame existieron con anterioridad dos iglesias: la iglesia de Saint Etienne y más tarde la iglesia románica de San Esteban. Años después se demolió la iglesia de San Esteban y en 1345 fue instaurada la catedral, que fue consagrada a la Virgen María, madre de Jesucristo.

-En 1831, el escritor Víctor Hugo publica su obra Notre-Dame de París, historia ambientada en el siglo XV del jorobado Quasimodo cuya función es tocar las campanas de la catedral y verse locamente enamorado de la gitana Esmeralda. En los 90 Disney hizo una versión de esta historia con un final feliz.

-El pasado 23 de marzo de este año, el tañido de las campanas sonó de manera diferente, y precisamente de esta forma:

http://www.notredamedeparis.fr/IMG/mp3/NDP_Projet_Cloche.mp3

Se instalaron ocho nuevas campanas en la torre norte de la catedral con la intención de devolver a los parisinos la misma armonía sonora que existía en los siglos XIII Y XIV. Todo esto ha sido gracias a unos musicólogos y campanólogos que han estado años y años investigando la recreación del mismo ambiente de los siglos de esplendor de la catedral.

A continuación ofrecemos una descripción audiovisual sobre la catedral :

El Erecteion

El Erecteión es un templo que está situado en la acrópolis de Atenas. Fue diseñado por Filocles y se construyó  en honor a Atenea, Poseidón y Erecteo (rey griego fue eliminado por Poseidón y se encuentra enterrado en dicho templo) entre el 421 a.c y el 409-405 a.c.

Su nombre significa el que sacude la Tierra haciéndose referencia de este modo a Poseidón, dios del mar y de los terremotos. Está situado en el lugar de la Acrópolis donde hubo una gran disputa entre Atenea y Poseidón por el patrocinio de Atenas. Signos que aun hoy  se perciben sobre esta historia fueron las señales que dejó Poseidón en el templo fruto de la disputa con Atenea, y el olivo sagrado que plantó la diosa como regalo a los atenienses.

En cuanto al contexto histórico que envolvía la construcción del erecteión, ésta se comenzó en el periodo de la Guerra Arquidámica, concretamente en el año 421 a.c. Sin embargo, en dicho año se produjo la tregua de Paz de Nicias (tratado de paz facordado entre las ciudades-estado griegas de Atenas y de Esparta).  Finalmente se terminó en el 406 a.c.  A pesar de todo, el templo ha estado sometido a algunas reconstrucciones  a lo largo de la historia fruto un incendio producido en la época clásica, de la conquista del Imperio Bizantino en el s. VII y por último de la venta de las Cariátides al gobierno británico por parte del embajador Thomas Bruce en el s. XIX.

Arquitectura

         Arquitectónicamente hablando, el Erecteion constituye una obra maestra del estilo jónico; está construido con mármol policromado y madera, además del oro empleado en su decoración.
         Está situado en el corte rocoso de la acrópolis norte. Es de planta irregular por las características del terreno y la necesidad de respetar los lugares sagrados situados a distinto nivel.

          El Erecteion se puede considerar como la unión de dos edificios, cuyos pórticos se extienden a distintos niveles y en direcciones perpendiculares. Al Este está situado el templo dedicado a Atenea, al Oeste un falso pórtico del templo de Erecteo y al Norte se abre al verdadero pórtico, de orden jónico muy estilizado y compuesto por 6 columnas (4 frontales y 2 laterales). Para integrar el lugar de enterramiento de Cécrope en el conjunto se dispuso uno de los elementos más característicos del templo, el pórtico de las Cariátides sobre podio, que oculta la escalera que conduce a la tumba.